Des paysages chacun son style par Anne Le Menn

Cinq artistes exposent des paysages à l’espace d'art contemporain Eugène Beaudouin, dans cet exercice, ils utilisent des techniques et ont des sensibilités qui leur sont propres. Leurs paysages  peuvent correspondre aussi bien à  un espace extérieur que mental.

Philippe Thomarel, peint à base d’émulsions de laque acrylique mélangées pour obtenir des cieux  plombés, d’où émergent des structures fantomatiques de ponts métalliques. Des maisons sont évoquées par des petites masses cubiques,  des réverbères suggèrent des milieux hostiles, des camps ou des banlieues tristes. Même si l’artiste ne la ressent pas ainsi,  l’atmosphère  est froide et angoissante. Un tableau sur papier marouflé sur toile  montre un premier plan formé d’un groupe de chiens qui pourraient s’apparenter à une meute de loups sinistres, s’ils n’étaient affublés des collerettes caractéristiques des chiens-chiens à leur mémère sortant de chez le vétérinaire. Des chiens sauvages domestiqués de façon ridicule, qui semblent toutefois joyeux et fort occupés, ils font circuler des blancs sur la toile.  Le plan suivant semble  définir  un milieu aquatique, peut-être la matérialisation des lignes d’eaux d’une piscine sombre.  La ligne d’horizon décrit  un milieu industriel et marque la limite d’un ciel agité dans lequel on retrouve quelques blancs du premier plan. La facture est libre et vivante dans ce tableau étrange et fascinant.

Nagham Hodaïfa, est syrienne, les paysages volcaniques ont marqués son enfance et ses premières  peintures de paysage, alors effectuées sur le motif, si elle ne peint plus maintenant dehors, son travail  sur  les corps en mouvement des danseurs se retrouve  dans un grand tableau qui couvre un des murs de l’espace. En plusieurs panneaux,  dans des tonalités rouges et vertes ponctuées de bleu, elle offre un paysage intérieur minéral ou le regard  se perd avec plaisir dans une peinture dynamique et séduisante.

Anne Moser, procède en deux étapes, dans un premier temps, elle  peint en extérieur, parfois sur de grands papiers,  puis dans une seconde phase en atelier,  elle utilise ces études pour peindre d’un geste très libre et enlevé.  Dans sa façon de travailler,  l’on retrouve l’esprit de l’épure et la conservation du blanc du papier propre aux  artistes asiatiques. Elle se dit d’ailleurs inspirée par Zao Wou Ki.  Elle parvient ainsi à faire ressentir, la vitalité et  l’énergie de la nature dans ses belles saisons.

Anne Manoli et Philippe Michaux Ruiz possèdent  eux aussi des univers marqués, les épaisses couches de peintures de l’une s’opposant au traitement fluide et lisse de l’autre.

Les  paysages des cinq artistes bien que très différents jouent très bien ensemble dans les volumes blancs de l’espace Beaudouin. L’ensemble est cohérent et donne la preuve, que si  le paysage est un genre pictural à part, et  est apparu il y a longtemps, il  continue à intéresser les peintres et à exister dans la peinture contemporaine.

Informations Pratiques

Espace d'art contemporain Eugène Beaudouin

Ouvert du vendredi au dimanche de 14h30 à 19h, et sur rendez-vous

Résidence Universitaire Jean Zay bât.F

rue Lafontaine 92160 Antony

A 20 min de Châtelet les Halles RER B Station Antony, sortir place René Cassin, suivre Hôtel de Police

09 65 29 30 23  www.espacebeaudouin.com 

Une histoire racontée à l’aiguille  par Marie-Jeanne Laurent

Entrez comme à l'intérieur d'une tente, dans les rouges, les ocres, les oranges qui vous saisissent dès l'entrée. Ce sont les couleurs de l'Orient, sur le fond bleu-noir du coton indigo,  et le blanc du lin.
Les robes et les manteaux sont présentés debout, grandes manches déployées sur des bâtons, ce qui permet de voir tous les détails de la coupe, des broderies et des appliqués de tissus variés et  précieux.

Les vêtements les plus riches sont à trame de soies (souvent ikatées, c'est-à-dire ligaturées et teintes avant le tissage, ce qui donne un effet  de rayures et chevrons tremblés), mais riches ou moins riches, qu'ils soient en coton teint "en réserve", par petites ligatures dessinant des losanges blancs sur le fond coloré, ou  brodés de soies dans toutes les gammes de rouge (couleur bénéfique) et d'orangés, avec quelques détails verts et blancs, enrichis de fils  métalliques, ces vêtements faisaient de toutes des reines, vêtements de fête pour toute une vie, et même plusieurs vies, vêtement-statut social qui mettait chacune à sa place exacte. Syrie, Liban, Galilée, Jordanie, Sinaï, Bédouins, une histoire de femmes  racontée à l'aiguille et accompagnée de bijoux d'argent, étuis à fard,  ceintures tissées, voiles de tête, burkas-masques alourdis de sequins pour les femmes du désert (là on comprend que cette burka pouvait heureusement protéger des vents de sable).

Un petit salon où l'on peut s'asseoir et consulter de la documentation, où l'on peut même toucher quelques robes (oui c'est bien vrai), est une heureuse surprise.

Christian Lacroix, couturier et amoureux des traditions de son pays d'Arles, n'a certainement pas manqué de rapprocher le caractère particulièrement éphémère, fugitif de la mode contemporaine, qui recherche l'effet, l'extravagance, de cette majestueuse simplicité, au-delà du  temps.
L'Orient des femmes Vu par Christian Lacroix  au Musée du quai Branly (Paris)

Informations pratiques :

Musée du quai Branly, jusqu'au 15 mai, 37 Quai Branly 75007

Entrée  8.5€

mardi, mercredi et dimanche : de 11h à 19h, et jeudi, vendredi et samedi : de 11h à 21h

Des clés  vivantes par Marie-Anne Chenerie

            Il existe plusieurs catégories d'objets : ceux qui – fonctionnels la plupart du temps -existent en tant que tels : le bol, le stylo …,  puis les objets qui portent en eux davantage que leur fonction première, souvent d'ailleurs parce attachés à une personne, un souvenir , une odeur, c'est un vêtement, un bijou , un accessoire ..et enfin , l'objet ouvert , qui n'existe vraiment que par son contenu et donc par les personnes qui l'emplissent et celles qui voient ce contenu , donc à la frontière du vivant , changeant et se transformant  .

            Dans cette dernière catégorie, il y a bien sûr tous nos objets informatiques actuels , mais surtout un objet petit , discret par son format et sa taille , mais immense par les possibilités qu'il contient : la clé USB .

            Un artiste berlinois, Aram Bartholl a eu l'idée , à la fois poétique, drôle et provocatrice d'installer des clés USB , avec du contenu : ce sont des «  dead drops ». Son idée a été reprise un peu partout dans le monde , il y a une quinzaine de clés installées à Paris .

            A l'origine, une « dead drop » , c'est une boîte à lettre morte , un système de communication utilisé par les espions dans les années 60, en fait une cache où l'on pouvait dissimuler par exemple des messages .

            Alors , j'ai été voir celle de la rue de Thermopyles , que j'ai choisie car j'aime cette rue , tellement décalée par rapport à son  nom : les Thermopyles,  célèbre et immense bataille, un des plus grands faits d'armes du monde antique , ici illustrée par David , et la rue est provinciale , inattendue, verdoyante , variée , ici calme et là, soudain , un mur de graffitis, puis un jardin , un mur presque en ruines . Et la clé !.

            J'aime vraiment cette idée d'Aram Bartholl : d'abord par la grande liberté qu'elle sous -entend , liberté de contenu, de lieu , où il faut accepter l'éphémère , l'inattendu, voire la disparition  .

            Et puis, l'effort que cela demande : les clés , il faut les chercher, ce n'est pas facile, parfois un buisson a poussé devant la clé ( comme au Carrousel du Louvre ) , parfois il y des gens assis sur le banc où elle est installée et il faut attendre qu'ils partent , il faut s'appuyer contre le mur avec le PC collé au mur, vous avez l'air un peu étrange , c'est presque un jeu ,  sérieux , comme tous les jeux, cela a un parfum d'enfance 

            Enfin, j'aime cette façon de réfléchir – et surtout d'agir et donc de nous faire réfléchir – surles liens entre l'art, sa création et sa diffusion et les nouvelles technologies . Aram Bratholl en a fait son domaine http://datenform.de/ ]

            Provoc Aram Bartholl? Oui, à l'heure de Wikileaks et des lois sur la protection des données numériques .

            Mais pour moi, la prise de risque ( et la provocation peut accentuer encore cette prise de risque ) est une composante essentielle de l'art sincère .

            Alors allez dans Paris visiter les clés USB ; je viens même d'en installer une moi- même , son adresse se trouvera bientôt sur ce site http://deaddrops.com/dead-drops/db-map/,

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A lire , l'excellent livre de Roger Pol-Droit : « Dernières nouvelles des choses », qui nous donne son regard sur les objets qui nous entourent . Vous ne regarderez plus de la même façon votre robe de chambre, vos bottes en caoutchouc , l'éponge de votre lavabo  , ni même bien sûr votre PC !!!

Sacha: «Je n'ai jamais su ce que j'allais faire » par Marie-Anne Chenerie

            On a du mal à le croire  quand on voit ses photos, construites , structurées , colorées …

            Et pourtant , Sacha nous  explique que la bonne photo est celle que l'on n'attend pas...

            Ce que j'ai aimé dans cette exposition de l'Institut Néerlandais, consacré à la photographe de mode néerlandaise , qui a travaillé avec les plus grands mannequins et pour de très nombreux magazines , c'est d'abord le personnage : la vidéo de l'entrée vous révèle une femme, certes âgée , mais si gaie, légère et profonde, naturelle et sans prétention , de ces personnes qui dominent tellement leur métier que , quand on les entend , on est confondu par tant de simplicité pour un si beau résultat .

            Elle est belle aussi, non pas belle, comme ces superbes mannequins qu'elle a photographiés ( Inès , Isabella, Laetitia,Carla ,Linda,  vous aurez reconnu ...) , mais belle de cette  sincérité profonde dans son métier et de ce naturel , de cette femme qui a côtoyé tant de mannequins coiffés, maquillés, apprêtés  pour les prises de vue.

            J'ai aussi trouvé de nombreux points communs , aussi paradoxal que cela puisse paraître, entre photo et gravure , en l'écoutant parler de son métier  :

-        La photo réussie ne laisse pas sentir l'effort, malgré les heures de travail , les multiples poses, les centaines de croquis que l'exposition nous montre  . Une photo réussie, comme une gravure réussie ne doit pas laisser transparaitre les multiples étapes , constructions et déconstructions . Sacha le dit : « Pour que ça ait l'air naturel, il faut faire , puis tout défaire ». Il faut savoir oublier le travail , nous dit cette artiste, dont on sait et on voit qu'elle a énormément travaillé.

-        La réussite d'une photo relève d'un instant magique, totalement inattendu , et bien sûr non prévu . Ainsi également, la meilleure gravure, ou le meilleur tirage ( on utilise d'ailleurs le même mot en photo argentique et en gravure ) sont ceux qui surgissent alors que  vous avez tout essayé et parfois même renoncé ; comme l'instant magique où l'on soulève le « lange » de la presse  et où  apparaît le résultat , par exemple, en fin de journée, lorsque vous essayez sans idée préconçue ; ce n'est pas du tout ce que vous aviez prévu , le hasard ( certains diront le talent ) est intervenu . Le hasard, oui , mais le hasard apprivoisé  par beaucoup de travail  et d'obstination .

-        L'image juste est pour elle différente de l'image vraie  et je trouve cette phrase magnifique : elle laisse toute sa place à l'artiste , sa liberté, son individualité et c'est merveilleux de l'entendre de la bouche d'une photographe, dont on pourrait penser  , que justement son métier est de faire du «  réel »; non, cela va bien au delà . Elle nous permet de voir plus que le réel . 

-        Alors, voici quelques images dans cette belle exposition à l'Institut Néerlandais , dont vous pourrez aussi admirer l'architecture Les illustrations de cet article sont soit extraites du dossier de presse , soit prises par Louisa Dusinberre .

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Informations pratiques

Exposition jusqu'au 20 mars 2011

Mondrian / De Stijl : les révolutionnaires aux lunettes rondes par Marie-Jeanne Laurent

Entrer dans l'exposition Mondrian, c'est entrer dans la cathédrale de la modernité. Le respect vous saisit devant ce monsieur sérieux, cravaté, chapeau mou et lunettes rondes, et ses camarades qui ont tous l'air de hauts fonctionnaires.
Mais ce sont pourtant des révolutionnaires qui, dès 1917 veulent inventer un nouveau langage, une nouvelle vision, un nouvel art de vivre. Ils s'élancent sur les ruines du 19e siècle, qui meurt en 1918.
La première salle est consacrée aux peintures d'avant 1914. On y trouve la série des arbres, des arbres en fleurs et paysages où se reconnait l'influence de Cézanne dans l'utilisation de la couleur, où déjà les structures sont plus importantes que l'objet.
Une belle série de fusains montre des études d'arbres où la géométrie apparait plus présente, quelques études (nu et composition en ovale) témoignent de sa rencontre avec Picasso et Braque (1914).
Mais le ton change totalement. La revue "de Stijl" ( le style) parait. Mondrian et ses amis, dont le principal Théo van Doesburg est architecte,  affirment leur expression : géométrie, lignes droites et couleurs primaires, rythmes.
D'où toute une série d'études de lignes et de couleurs, de tableaux géométriques, de vitraux. L'histoire de la revue, des projets d'architecture et d'urbanisme (le musée Van Gogh à Amsterdam, la "machine à habiter" à Utrecht et des maquettes), des photos, des documents de toutes sortes consacrés à tous les membres du groupe, montrent l'effervescence de ce mouvement et son actualité.
Bien entendu ils ont des contacts avec l'autre phare de la modernité: le Bauhaus à Weimar.
L'atelier de Mondrian à Paris, rue du départ, de 1921 à 1936, est reconstitué dans l'exposition , on peut y rentrer: il est clair, sans mystère, sans recoins, blanc, aux lignes noires et couleurs primaires- fonctionnel et apaisant sans doute pour lui. Mondrian part en 1940 pour New-York où il meurt en 1944.

Information pratiques :

Mondrian / De Stijl jusqu’au 21 mars 2011. Au centre Pompidou  Paris.